O termo "vernacular" faz referência a tudo aquilo que é nativo de uma determinada região.^[1] Derivado do latim vernaculus, que significa "nativo" ou "doméstico", o conceito da palavra passou a abranger diferentes áreas do conhecimento para caracterizar manifestações produzidas de forma popular ou fora dos padrões considerados profissionais. Embora, no contexto do design, "vernacular" possa ser usado para referenciar elementos tradicionais do design nacional, o termo também é "compreendido como qualquer produto desenvolvido a partir de um hábito cultural, como as soluções materiais ou visuais e artefatos presentes no cotidiano, e que indicam forte ligação com a cultura local".^[2]

Essas expressões se manifestam fora dos meios acadêmicos e institucionais, como é o exemplo de placas pintadas à mão, fachadas comerciais, cartazes e tipografias, refletindo aspectos relevantes das comunidades em que surgem, tornando-se importantes formas de comunicação visual e identidade cultural.^[3] Em muitos dos casos, a maneira como essas produções não profissionais são desenvolvidas é totalmente intuitiva, mas ainda assim apresentam soluções gráficas eficientes e que demonstram estar bem integradas ao contexto cultural, atendendo às necessidades de comunicação com a população local. O uso de cores vibrantes, letras desenhadas manualmente, materiais acessíveis e referências culturais regionais contribui para a criação de uma estética própria, diretamente relacionada a aspectos econômicos e culturais em que essas manifestações estão inseridas.

Ainda que muito associado à informalidade, esse tipo de design carrega grande valor simbólico e estético, pois evidencia as mais diversas possibilidades de interpretação do mundo cotidiano para além da formalidade acadêmica. Dessa maneira, busca-se analisar o design vernacular como fonte de expressão cultural e visual, investigando a fundo suas características, contexto em que está inserido, exemplos e sua relevância atual para a construção de uma identidade cultural para comunidades marginalizadas.

Contexto cultural e social

As práticas de produção e fabricação introduzidas pela Revolução Industrial (1760-1840) fizeram com que os processos de trabalhos artesanais fossem substituídos pela mecanização, provocando a desvalorização do trabalho manual. Com a ascensão da necessidade de produção em massa, a eficiência e a repetição de métodos bem-sucedidos sobrepuseram a importância da arte. A criação da Deutscher Werkbund (1907) foi fundamentada nesse novo contexto, buscando resgatar o lado artístico nas produções de modo adaptado à industrialização.

A Bauhaus foi fundada no ano de 1919 por Walter Gropius, associado da Werkbund, durante o cenário político consequente da Primeira Guerra Mundial (1914-1918). O design passou a ser visto como uma unificação de diversos nichos e estudado de forma holística, com o objetivo de construir uma sociedade melhor, mais livre e internacional.^[4] Entretanto, a Escola se desprendeu de seus ideais iniciais e passou a pregar princípios modernistas de universalidade e imutabilidade, satisfazendo a corrente do funcionalismo arquitetônico ao priorizar a objetividade técnica dos objetos. Tal pensamento instaurou-se no mercado industrial por anos.^[5]

O pós-modernismo surge quebrando os paradigmas impostos pelo movimento anterior, instaurando novas tecnologias, e permitindo vieses abstratos, ambíguos, inovadores e explorando a estética "sem regras". O culto ao imperfeito foi essencial para as obras vernáculas tornarem-se expressões culturais fidedignas, saindo do contexto industrial e ocupando espaços habitados por populares.

Essa reaproximação com o popular possibilita o fenômeno da circularidade cultural, um processo de trocas recíprocas onde o design oficial e as práticas periféricas interagem, servindo como uma resistência à homogeneização de gostos imposta pela globalização.^[6] Diferente da rigidez da era industrial, essa perspectiva contemporânea valoriza o "autor coletivo" e a manualidade, buscando não apenas a eficiência técnica, mas o bem-estar humano ao preservar a memória de comunidades locais. Assim, ao integrar o saber tradicional às tecnologias modernas, o design deixa de ser apenas uma ferramenta de produção em massa para se tornar um agente de identidade e transformação social.  O design vernacular é culturalmente moldado a partir de diferentes realidades econômicas, materiais, étnicas e políticas, mantendo vivas tradições culturais de vivências majoritariamente marginalizadas.

Características visuais

A identidade do design brasileiro pode ser compreendida a partir das diferentes manifestações culturais presentes nas regiões, comunidades e grupos sociais, fazendo com que o design vernacular valorize expressões autênticas e culturalmente relevantes dentro da comunicação visual, as quais normalmente não se encaixam no cenário formal do contexto acadêmico.^[7] Diferente de alguns designs padronizados, o vernacular valoriza a originalidade e o multiculturalismo. Em suas características, é possível visualizar diferentes tipografias e suportes utilizados para a sua criação, pois depende do local que é produzido. O uso de cores fortes contribui para as composições de banners/placas marcantes, reforçando a singularidade de improvisação estética e autenticidade, formando assim uma identidade gráfica da cultura brasileira.

Conforme discutido no artigo "Gambiarra também é Design? Uma abordagem sistêmica do Design acadêmico e o vernacular", o design vernacular é destacado pela modificação criativa e pela funcionalidade desenvolvida de forma empírica no dia a dia urbano.^[8] Dessa forma, suas manifestações visuais estabelecem uma comunicação acessível e próxima do público, principalmente nos espaços urbanos e comerciais. Além de possuir função estética, o design vernacular também atua como forma de representação cultural e expressão social, preservando elementos da identidade popular por meio de composições visuais espontâneas e autênticas.

Relevância do Design Vernacular na atualidade

Na atualidade, o design vernacular possui grande relevância por contribuir para a valorização da identidade cultural e regional. Em um contexto marcado pela globalização e pela padronização estética, essas manifestações visuais ajudam a preservar características locais, tradições e modos de comunicação próprios de diferentes grupos sociais. Dessa forma, o vernacular torna-se um importante elemento de representação cultural e pertencimento social.^[6]

Com o crescimento das redes sociais e da cultura digital, o vernacular também ganhou espaço no ambiente online. Estéticas consideradas "caseiras", espontâneas ou informais tornaram-se tendências visuais amplamente utilizadas na internet, reforçando a valorização de produções mais humanas e autênticas.^[9]

Portanto, o design vernacular permanece relevante na atualidade por preservar identidades culturais, aproximar a comunicação visual das pessoas e influenciar novas linguagens estéticas no design contemporâneo.

Críticas e debates contemporâneos

O design vernacular, definido como as manifestações visuais e materiais nativas, domésticas e produzidas fora do campo acadêmico, tem sido alvo de um processo sistemático de elitização e apropriação estética por parte do design formal e do mercado de luxo. Esse fenômeno ocorre por meio de uma "apropriação e tradução" do repertório popular para o design canônico, o que, embora possa ser visto como uma valorização cultural, frequentemente resulta em uma estratégia de distinção social exercida pelas classes dominantes.^[6] Essa dinâmica reflete como a perda de "fidelidade aos territórios originários", onde objetos e símbolos populares perdem seus significados políticos e sociais ao serem inseridos na lógica do consumo global.^[10]

A romantização da pobreza (ou "estetização da carência") opera nesse contexto através de camadas que banalizam a realidade das comunidades periféricas:

• Estética sem contexto: A precariedade e a escassez de recursos que forçaram soluções vernáculas criativas são apagadas, restando apenas o "charme" visual da improvisação. Logo, a pobreza é convertida em uma "mercadoria imagética" desvinculada de suas causas estruturais, o que pode ser caracterizado como Poverty Porn.^[11]

• Congelamento cultural: O vernacular é frequentemente tratado como algo atemporal, exótico ou "puro", ignorando que as comunidades produtoras evoluem e buscam acesso a novas ferramentas.

• Gatekeeping invertido: Profissionais com educação formal "descobrem" e legitimam estéticas que já existiam, tornando-se as vozes autorizadas sobre o tema enquanto os produtores originais permanecem na invisibilidade acadêmica.

• Ausência de redistribuição: O valor simbólico é extraído para gerar lucro em campanhas de marketing ou produtos de alto valor agregado, como observado nos casos da Balenciaga e Lacoste, sem que ocorra o retorno econômico ou o reconhecimento das lideranças das comunidades de origem.

Essa exploração comercial cria um "ruído semiótico", onde a estética da periferia é celebrada em corpos privilegiados como sofisticação, enquanto os moradores desses territórios continuam a enfrentar estigmas sociais e criminalização. Assim, a incorporação do design vernacular pelo mercado formal muitas vezes mascara o lucro obtido sobre grupos socialmente vulneráveis, transformando a luta pela sobrevivência em uma mera tendência de consumo.

Referências

Ligações externas

• Modelo para integração do design vernacular em soluções de open design orientadas a fabricação digital